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to love a body

that breathes

inside your body

   Lisyanet Rodríguez is a kind of fairy, a rare character drawn from literature and not real life. She is a maker of metaphors and rhizomes. Her work broadly holds a double condition: on the one hand, the concentration of confessed beauty as a manifest drive; on the other, the rise of strangeness converted into the space in which the disturbing fulfils. Her pieces reveal themselves as authentic metaphors, allegorical fabrics that aren’t precisely fictional —as one might think— but depicts her own life as a visual biography of her childhood. These works are not to be taken only as aesthetic formalizations embodying great technical virtuosity. On the contrary, they should be read as symbolic revelations of her personal and family history, such as the treatise that records the clues and signs of a particular existence, or the x-ray of a present that seeks crossing with the past. As I idolize the words and invite them to be a substantial part of my world, Lisyanet, in her own way, turns the fiction of art into the essence of life, and forges a private mythology that she inhabits at her will and whim. The characters that populate her world along seem liberated from a strange land, an island maybe. The silence of their spaces and their blindness reveal them devoid of their attributes and prerogatives. In appearance, these characters manifest themselves against the stereotyped worlds. They announce their happiness as they chant out their confused bitterness; their lives oscillate between the futile and the funereal, between verbal density and epiphany.

   The surfaces of this artist, as well as the objects in her universe —so attentive to detail — reveal an `out of this world´ artisan´s vocation. Her production links to an aesthetic resolve that ponders the narrative nature of the work and its profound visual impact. Without doubt, a sophisticated artistic approach postulates as fact itself, a fact that fluctuates between the strictly retinal and the conceptual impulse that emerges beyond the encrypted in the representation. Her pieces seem abstractions of dreams, sheets of the subconscious or snapshots of a memory that struggles to preserve itself against the imprudence of wear and cyclic outbursts. Each work is a universe, an exercise of full satisfaction and enjoyment. There is an exquisite taste for formality without the abandonment of motives, conceptual or narrative, that justify these technical "pretentions". Lisyanet has an extraordinary ability to seduce from anywhere in the palette. Whether is black and white, or color, her works display a crushing virtuosity and an exciting erosion, even in sexual terms. I am not very interested, to say the least, in the distinction of feminine or feminist art. I would dare to speculate in my critical intimacy, that she does not care about this matter either. I believe that her creation overcomes this debate, so orthodox and convalescent at times, and organizes a rich and emphatic look at the instant affirmation of essential artistic values. If there´s any feminine sign in this story, it´s that of an imagery built by a woman who constantly revises her life interrogating her past and present. Here, the feminist dimension is exceeded by its very condition.

   What truly fascinates me about her works is the almost surprising oddness that assaults and bends the delight of the distracted look at the encouraging exercise of searching for the reasons behind these images. This translates into a kind of Gothic story or a cinematographic scene of suspense that manages to keep the attention in the work. There is also a tension between the Baroque impulse and the ruling minimalist element. We can detect the mechanism through which the image builds with extreme meticulousness, contrasted with flat backgrounds that emphasize the baroque character of the pieces. I speak of a clean, elegant baroque, a baroque of "remembrance" —as Lezama would say— that alludes to metaphor, to the graceful and the humid. At this point in my life, I could not conceive existence without metaphors, without that necessary recurrence to the resource that relieves me and distances me from the mediocre and the pedestrian. When I look at the works of this artist, I find that relief, although not without a certain amount of disturbance. That, simply, seduces me in an unusual way.

   My reactions, I must emphasize, do not respond only to the liberated and liberating cadence of my hormonal (also intellectual) speculations. So much so that the artist herself points out "…my creation revolves around creatures in which malformations, mutations, and appendices fused together abound. In contrast to these deformations, my most primary effort is to illuminate their delicacy. Looking closely at the bent limbs, the combined bodies and the expressions of the scenes, my instinct is protective. An answer, if you will, in light of their vulnerability, because I think I understand their origin. I am interested in creating hybrid images, separated from time, place and context. Create ambiguous sensations between fascination, empathy, and rejection."

   Perhaps, that´s the reason for the particular magnetism that crosses her imagery and makes it an ally of remembrance. Lisyanet, who belongs to a generation with a recurrence to references, has achieved something essential for the consolidation and permanence of a work of art: to found a style based on the application of a personal and unique voice. She has managed to generate a poetic, per se. Moreover, none of this comes from the grandiloquence of anthropological searches or fashionable pseudo-conceptualisms that at times turn out to be strident caricatures of banality (and vanity). That finding stems precisely by means of an inquiry into the passages of her own life. Not in vain she claims "…the stories and inspiration behind my paintings are derived from the emotions and experiences of my life, resulting in an expanded narrative of it. The solitary, desolate landscape of the background serves as an exploration of the sacred; it´s a reflection that symbolizes all things fragile and eternal. As I used to do as a child, I prepare the best dresses trying to incite a real show ...”

   Truth is she obtains it. Her work is a spectacle in itself. It recalls the Baroque mannerism of a certain Freudian emphasis and substantiates a taste for the operatic and theatrical. "My creative process," she tells us, "comes from a manipulation of the accessories I use to dramatize the elements of each work. I build and rebuild scenes in my eagerness to confront the worlds that have always been more intriguing for me". The group organized around DRESSED UP focuses on three indicators I see as essential when understanding the meaning, first and last, of this proposal: the irrefutable principle of fiction, the look towards the thicket of eras and imaginary beings, and the indisputable interrogation of their own life story. From this triad arises a repertoire of works that perpetuate the place of beauty in the face of conceptual tyrannies or erosions caused by the use and abuse of eschatological and abject motifs.

   Lisyanet creates worlds where others generate abysses; trusts utopia against the predatory machinery of instrumental scepticism; engenders the eloquence instead of stridency and noise, and procures the search of the sublime before the evidence of its ruins. Her work will remain in the history of Cuban art as an example of clairvoyance, lucidity and honesty. All stories are nothing more than reactions of the subject to his time. Perhaps for this reason the work of this artist is a story in itself. I do not speak of that story that appealed to the modern subject, but of the introspective narrative, of the deep journey towards the selected fields of the ontological. I speak of the word that is only readable from the horizontal transparency of a self that speaks with the world and the sources of its origin. These plates suggest a current of fleeing life; they slow it down and fixate it. These blades, I insist, become the inner nerve and the giver of a new condition.

   Let there be a will to read, there where light illuminates and blinds.

Andrés Isaac Santana 



querer a un cuerpo 

que respira

dentro de tu cuerpo


   Lisyanet Rodríguez es una suerte de hada, de personaje raro extraído de la literatura y no de la vida real. Es una hacedora de metáforas y de rizomas. Su obra, a sus anchas, goza de una doble condición: la centralización de la belleza confesada en tanto que pulsion manifiesta, de una parte; de otra, el encumbramiento de la extrañeza convertida en el espacio en el que se produce la fruición de lo inquietante. Sus piezas se revelan como auténticas metáforas, tejidos alegóricos que no remiten precisamente a la ficción, como pudiera pensarse, sino que, por el contrario, se acercan a su propia vida a modo de biografía visual de lo que fue su infancia. Estas obras no deberían ser leídas solo, o no únicamente, como formalizaciones estéticas relatoras de un gran virtuosismo técnico. Deberían ser leídas, por el contrario, como revelaciones simbólicas de su historia personal y familiar, como el tratado enfático en el que se registran las pistas e indicios de una particular existencia, la radiografía de un presente que procura el cruce con el pasado. En la misma medida en que yo idolatro las palabras y las invito a formar parte sustancial de mi mundo; Lisyanet, a su manera, convierte la ficción del arte en esencia de vida, se forja una mitología privada que habita a su voluntad y a su antojo. Los personajes que, junto a ella, pueblan ese mundo, parecen liberados de una tierra extraña, una isla tal vez. El silencio de sus espacios y su ceguera, les revelan desprovistos de sus atributos y de sus prerrogativas. Esos personajes, en apariencia, se manifiestan contra los mundos esteriotipados, anuncian su felicidad al tiempo que cantan sus amarguras confusas, sus vidas oscilan entre lo fútil y lo fúnebre, entre la densidad verbal y la epifanía. 

   Las superficies de esta artista, así como su universo objetual tan dado a la búsqueda del detalle, revelan una vocación artesanal fuera de serie. Toda su producción está ligada a una resolucion estética que pondera el carácter narrativo de la obra y su profundo impacto a nivel visual. Se trata, sin lugar a dudas, de un planteamiento artístico ciertamente sofisticado que se postula como un hecho fáctico en sí mismo, un hecho que fluctúa entre lo estrictamente retiniano y un impulso conceptual que aflora más allá de la evidencia cifrada a través de lo representado. Sus piezas parecen abstracciones de sueños, láminas del subconsciente o instantáneas de una memoria que lucha por conservarse frente a la imprudencia de los desgastes y los arrebatos cíclicos. Cada obra es un universo, un ejercicio de plena satisfacción y de goce. Se advierte un exquisito gusto por lo formal sin el abandono de motivos, digamos conceptuales o narrativos, que justifiquen esos “alardes” tecnicistas. Lisyanet goza de una extraordinaria habilidad para la seducción desde cualquier lugar de la paleta. Tanto en blanco y negro, como en color, las obras denotan un virtuosismo aplastante y una erosión que me resulta hasta excitante en términos sexuales. Me interesa poco, por no decir nada, si se trata de un arte femenino o feminista. Creo, me atrevería a especular en mi deliberada intimidad crítica, que a ella misma le importa poco este asunto. Estimo que su producción sobrevuela ese debate, a ratos tan ortodoxo y convaleciente, para organizar una mirada rica y enfática en la afirmación expedita de los valores esencialmente artísticos. Si una señal femenina resulta evidencia fáctica en el centro de este relato suyo, es que todo este imaginario está construido y articulado por una mujer que, como muchas otras, revisa su vida en una constante interrogación de su pasado y de su presente. La dimensión feminista, en tal caso, se descubre rebasada por su misma condición. 


   Si hay algo en sus obras que me fascina, es esa extrañeza casi sorpresiva que asalta y doblega el embeleso del mirar distraido a la gimnasia -siempre alentadora- de buscar las razones o los porqué de estas imágenes. Ello se traduce en una suerte de relato gótico o de escena cinematográfica gustosa del suspense que consigue conservar la atención en el contacto visual con la obra. Se advierte, también, una tensión entre el impulso barroco y la dominante minimalista. Es detectable ese mecanismo en el que la imagen se aborda con meticulosidad extrema contrastada con fondos planos que enfatizan, más si cabe, el carácter barroco de las piezas. Y hablo de un barroco limpio, elegante, un barroco de la “recordación” -como diría Lezama- que alude a la metáfora, a lo grácil y lo húmedo. A estas alturas de mi vida no podría concebir la existencia sin metáforas, sin esa necesaria recurrencia al tropoque me alivia y me distancia de lo mediocre y de lo pedestre. Cuando miro las obras de esta artista hallo en ellas ese alivio no sin cierta cuota de perturbación. Y eso, sencillamente, me seduce de una manera poco habitual. 

   Estas reacciones mías, valga subrayar, no responden tan solo a la cadencia liberada y liberadora de mis especulaciones hormonales (también intelectuales). Tanto es así que la propia artista señala “mi creación gira en torno a criaturas en las que abundan las malformaciones, mutaciones, y apéndices fusionados entre sí. En contraste con estas deformaciones, mi esfuerzo mas primario es iluminar su delicadeza. Mirando de cerca los miembros doblados, los cuerpos combinados y las expresiones de las escenas, mi instinto es protector. Una respuesta, si se quiere, a la luz de su vulnerabilidad, pues creo comprender su origen. Me interesa crear imágenes híbridas, separadas del tiempo, el lugar y el contexto. Crear sensaciones ambiguas entre la fascinación, la empatía, y el rechazo”. De ahí, tal vez, ese particular magnetismo que atraviesa su imagario y le convierte en aliado de la recordación. Lisyanet, que pertenece a una generación de acento epigonal con cierta recurrencia citacionista, ha logrado algo que es esencial para la consolidación y permanencia de una obra: la fundación de un estilo propio basado en la postulación de una voz personal y única. Ella ha conseguido generar, per se, una poética. Y nada de ello viene dado por la grandilocuencia de las búsquedas antropológicas o los pseudoconceptualismos de moda que a ratos resultan estridentes caricaturas de la banalidad (y de la vanidad). Ese hallazgo, en ella, se produce, precisamente, por medio de un indagación en los pasajes de su propia vida. No de balde, afirma “las historias y la inspiración que hay detrás de mis pinturas se derivan de las emociones y experiencias de mi vida, lo que resulta en narrativa expandida de la misma. El solitario, y desolado paisaje de los fondos, me sirve como exploración de lo sagrado, es un reflejo que simboliza todas las cosas, frágiles, y eternas.Como solía hacer de niña, preparo los mejores vestidos intentando provocar un auténtico espectáculo…” 


   Lo cierto es que lo consigue. Su obra es un espectáculo en sí mismo, recuerda el amaneramiento barroco de cierto énfasis freudiano y sustantiva un gusto por lo operístico y lo teatral. “Mi proceso creativo -nos dice la artista- resulta de una manipulación de los accesorios que decido utilizar para dramatizar los elementos de cada obra. Construyo y reconstruyo escenas en mi afán por confrontar los mundos que desde siempre han sido mas intrigantes para mi”. El conjunto que se organiza en torno a DRESSED UP, focaliza sobre tres indicadores que advierto esenciales a la hora de comprender el sentido, primero y último, de esta propuesta: el principio irrecusable de la ficción; la mirada hacia la espesura de eras y de seres imaginarios y la indiscutible interrogación a su propia hoja de vida. De esa tríada nace un repertorio de obras que perpetuan el lugar de la belleza frente a las tiranías conceptuales o las erosiones provocadas por el uso y abuso de los recursos de lo escatológico y de lo abyecto. 


   Lisyanet crea mundos allí donde otros generan abismos, confía en la utopía frente a la maquinaria predatoria del escepticismo instrumental, engendra el relato de la elocuencia en lugar de la estridencia y del ruido, procura la búsqueda y el hallazgo de lo sublime frente a la evidencia de sus ruinas. Su obra quedará, para la historia del arte cubano, como un ejemplo de clarividencia, lucidez y honestidad. Todas las historias no son más que reacciones del sujeto a su tiempo. Quizás por ello la obra de esta artista es una historia en sí misma. No hablo de esa historia que tanto sedujo al sujeto moderno, hablo de la narración introspectiva, del viaje profundo hacia los ámbitos escorados de lo ontológico, hablo de texto que es solo legible desde la transparencia horizontal de un yoque dialogo con el mundo y con las fuentes de su origen. Estas láminas proponen un discurrir de la vida que se escapa, la relentizan y la fijan. Estas láminas, insisto, se convierten en el nervio interno y la sangre dadora de una nueva condición. 


   Hágase la voluntad de lectura, allí donde a luz lo mismo ciega que ilumina. 

Andrés Isaac Santana

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